Интересные факты из мира искусства

[mimi]

Рафаэль
Сикстинская Мадонна, 1512—1513
Холст, масло. 256 × 196
Галерея старых мастеров, Дрезден

«Сикстинская Мадонна» Рафаэля после Великой Отечественной войны находилась на реставрации в Москве и в 1955 году была возвращена вместе с другими картинами в Дрезден.

Полотно было создано Рафаэлем в 1512—1513 годах для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце по заказу Папы Юлия II в честь победы над французами, вторгшимися в Италию и присвоения Пьяченце статуса Папской Области.

На картине изображены Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II, носящего сходство с Папой Юлием II, и Святой Варвары (мощи этих святых находятся в церкви св. Сикста). Фигуры образуют треугольник, поднятые занавеси лишь подчеркивают геометрическое построение композиции.

Святой, у ног которого изображена папская тиара, подчеркивающая его высокий сан, указывает своей рукой в сторону наблюдателя, и Мадонна с младенцем смотрят в указанном им направлении, в то время как Святая Варвара склонила голову. Первоначальное место картины было перед большим распятием, поэтому выражения лиц и позы фигур на картине обусловлены их чувствами при виде страданий и смерти Христа.

Изобразительное мастерство художника обманывает наблюдателя. Задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов.

Поскольку имя св. Сикста происходит от латинского «шесть», Рафаэль изобразил его с шестью пальцами на правой руке. На картине также шесть фигур. Предполагают, что моделью для мадонны послужила возлюбленная Рафаэля Форнарина.

Рафаэлевы ангелы — мотив многочисленных открыток и постеров. Два ангелочка, изображенные на картине, являются мотивом многочисленных открыток и постеров.

[mimi]

И. Крамской. Некрасов в период "Последних песен". 1873
Государственная Третьяковская галерея

На портрете поэта Н. А. Некрасова, написанном Иваном Крамским, имеется множество швов, свидетельствующих о том, что в процессе работы художник перекраивал свою картину, сшивал, изменяя свой первоначальный замысел.

Сперва Крамской предполагал ограничиться небольшим холстом, на котором страдающий поэт должен был быть изображен лежащим. Затем, все больше увлекаясь работой, художник увеличил размеры холста, надшив его со всех четырех сторон, и изменил композицию.
В окончательном варианте картины Некрасов полулежит на подушках. Для того чтобы при перемене композиции не писать заново уже отработанную голову, Крамской вырезал, следуя ее форме, тот кусок холста, на котором она была написана, и перенес его в соответствии с изменившимся замыслом в другое место - выше. В настоящее время краска в местах обреза потрескалась и осыпалась и контуры вставок, как и швы, образовавшиеся при надшивах холста, явственно заметны.
Болезнь довела Некрасова до полного истощения физических сил. Но не эти признаки тяжкого недуга определяют то главное, что хотел донести до зрителя художник. Над физической немощью торжествуют несломленные смертельной болезнью духовные силы поэта. Общее оптимистическое звучание холста поддерживается и всем его колоритом.

[mimi]

Неизвестный ранее рисунок Леонардо да Винчи обнаружили эксперты Лондонской Национальной галереи

С помощью инфракрасных лучей была исследована картина "Мадонна в скалах". В результате под слоем краски высветился некий набросок. Специалисты утверждают, что это изображение женщины, стоящей на коленях и протягивающей руку.

Судя по всему, да Винчи делал эскиз к картине, на которой хотел изобразить сцену поклонения перед младенцем Христом. Но потом, наверное, отказался от этой идеи.

До сих пор эксперты спорят, чьей же всe-таки рукой была написана "Мадонна в скалах": самим Леонардо или же кем-то из его учеников? Но теперь видно, что какое-то отношение к этой картине да Винчи всe-таки имел.

[mimi]

Ван Гог. Подсолнухи. 1889. Новая Пинакотека, Мюнхен.

Картины Ван Гога с изображением подсолнухов можно увидеть во многих музеях мира. Действительно, художник не раз писал эти цветы, которые считал своими. "Подсолнух - это мое, в известном смысле" - так говорил он сам.
Этот цветок имел для него особое значение: желтый цвет олицетворяет дружбу и надежду, в то время как цветок сам по себе представляется "идеей, символизирующей признательность и благодарность".
Никто до Ван Гога не сумел так увидеть эти скромные цветы, олицетворяющие в его глазах солнце на земле, образ настолько художественно емкий, что действительно достигает высот почти символических. "Подсолнухи" - образ живой и естественный, он исполнен огромной силы не потому, что сознательно обращен в некий знак-символ, а потому, что содержит нечто извлеченное Ван Гогом из самого мотива посредством ритма, цвета и формы: ярким желтым краскам противостоит напряженная вибрация рисунка - одни цветы уже облетели, у других повисли завядшие лепестки, у третьих они как бы шевелятся и извиваются, передавая движение переплетающимся стеблям. В них еще пульсирует жизненная сила, противостоящая покою увядания. В этом есть что-то тревожащее, драматичное...
Буквально во всем Ван Гог пытался найти человеческое, поэтому столь трудно ему было жить и работать в мире, где человек отождествлялся с машиной и его значимость оценивалась лишь с точки зрения его полезности. Духовная жизнь все меньше становится востребованной, а прежние связи в процессе развития цивилизации и прогресса рушатся. Эта причина и субъективные пессимистические настроения привели художника к болезни - психическому расстройству.
А потом и к смерти...

[mimi]

В. А. Серов. Портрет княгини Зинаиды Николаевны Юсуповой. 1902.
Государственный Русский музей.

Художник Валентин Александрович Серов обычно не писал "чванливых и богатых", но Зинаиде Юсуповой отказывать не стал..

"Если бы все богатые люди, княгиня, были похожи на вас, то не осталось бы места несправедливости" - таков был его ответ.
Зинаиду Николаевну Юсупову рисовали многие художники, видимо было что-то в ней притягательное, завораживающее... Современники говорили о картине, что она изображает «птицу в золотой клетке».
Это уникальная картина. Один из мировых шедевров русского искусства. Это понимаешь сразу, когда, проходя по залам Русского музея мимо, вдруг останавливаешься. Здесь все соединилось: необыкновенная модель и превосходный художник.
Удивительно соразмерное лицо и глаза как очерк или символ красоты и поза, исполненная живости, изящества и грации, - ослепительная светская дама, это ясно, и все же главное не шарм, а ясность и простота индивидуальности, что, как нарочно, скрадывает необыкновенную красоту, знатность, баснословное богатство...

Известны слова Зинаиды Николаевны, как она говорила, очевидно, с ее очаровательной улыбкой: "Я худела, полнела, вновь худела, пока исполнялся Серовым мой портрет, а ему все мало, все пишет и пишет!"
Известны и слова Серова из его письма к жене: "... славная княгиня, ее все хвалят очень, да и правда, в ней есть что-то тонкое, хорошее".
Это, помимо ее красоты и обаяния, сугубо нравственная оценка.

[mimi]

"Крик". Эдвард Мунк. 1893. Музей Мунка. Осло

Образ ужаса, запечатленный в картине Э. Мунка "Крик", служит одним из главных символов концептуального искусства.

Эдвард Мунк рано лишился матери. С тех пор смерть навсегда вошла в его сознание. Она внушила ему глубокий страх перед жизнью, от которого он так никогда и не избавился. Позже Мунк писал: "С момента моего рождения, ангелы тревоги, беспокойства и смерти были всегда рядом… Часто я просыпался ночью, оглядывал комнату и спрашивал себя: "Не в аду ли я?".
Став художником, Мунк все время был занят поиском природы скрытых сил, которые управляют его жизнью. Доведенный почти до умопомешательства, он видел галлюцинации, которые не оставляли его до конца жизни.
Одна из них посетила его на мосту через фьорд. Он описал ее так: "Я шел по дороге с двумя приятелями, вдруг солнце зашло и все небо стало кровавым, при этом я как будто почувствовал дыхание тоски. Я задержался, оперся на балюстраду моста смертельно усталый. Над черно-голубым фьордом и городом висели клубы кровавого пара. Мои приятели пошли дальше, а я остался с открытой раной в груди. Громкий, бесконечный крик пронзил окружающую природу".
Так появилось самое знаменитое произведение Мунка - "Крик". Вначале это был рисунок, позднее гравюра и, наконец, картина, написанная пастелью. Этот заход солнца над фьордом вызвал у художника длительное, болезненное беспокойство и отчаяние из-за того, что он был не в состоянии изобразить это явление, таким, каким оно перед ним предстало. В результате все-таки появился рисунок на котором мы видим человека без лица на мосту. Этот человек - сам художник. Драматизм сцене придавал напряженный контраст между фигурой на первом плане и чужими, занятыми самими собой людьми в отдалении...
Умер Эдвард Мунк 23 января 1944 года, сидя в кресле. Умирая, он выронил из рук книгу «Бесы» Достоевского.
(По материалам Анджея М. Кобоса )

В Осло находится музей Мунка, из которого 22 августа 2004 года двумя вооружёнными преступниками были похищены полотна "Крик" и "Мадонна". Норвежская полиция обнаружила и вернула картины в конце августа 2006 года.

[mimi]

"Слепые" Питер Брейгель. 1568. Национальная галерея, Неаполь

Произведения Питера Брейгеля вплоть до ХХ века были скрыты в недрах частных коллекций.

Гениальный цикл картин "Времена года" еще при жизни автора был упрятан в ломбард. Другие вещи художника рассеялись по городам и весям Европы... Собранный по крупицам и представленный, наконец, во всем своем творческом могуществе Питер Брейгель Старший сразу убрал с пьедестала своих сыновей - художников Питера Брейгеля Младшего и Яна Брейгеля Бархатного, преуспевших в карьере и славе куда больше отца.

Перед смертью Брейгель велел молодой жене сжечь многие гравюры и рисунки. Что же побудило его на такой приговор? В чем было ему каяться, чего опасаться? Ответ очевиден: слишком едки и насмешливы подписи под его опусами, да и сами эти гравюры и рисунки безмолвно кричали о многом таком, о чем тогда предпочитали помалкивать.
В жестокое время довелось жить художнику - в период господства в его Нидерландах испанских захватчиков. Даже евангельские сюжеты маскируют у Брейгеля сцены современных ему грабежей и разбоев. В его картинах угадываются зловещие силуэты виселиц и кострищ, ставших в те годы столь же неотъемлемой частью голландского пейзажа, как мирные мельницы и колокольни.

Считается, что сюжет картины "Слепые" основан на библейской притче о слепых: "Если слепой ведёт слепого, то оба они упадут в яму". На картине изображено шестеро слепых, которые цепочкой двигаются вперёд, держась друг за друга. Идущий первым слепой поводырь оступается и вместе с посохом падает в яму. Следующий за ним слепой падает на него. Третий, связанный со вторым посохом, тоже последует за своими предшественниками. Пятый и шестой ещё ни о чем не догадываются, но им неминуемо быть в яме следом за их спутниками...

Фрагмент картины:

[mimi]

Ф. А. Васильев. Оттепель. 1871. Государственная Третьяковская галерея. Москва.

Несмотря на отпущенную художнику Фёдору Васильеву короткую жизнь, сделанного им хватило, чтобы попасть в ряд крупнейших мастеров русской пейзажной живописи.

Современники называли погибшего в 23 года от чахотки художника "гениальным юношей". И эта оценка выдержала испытание временем...
До Васильева и Саврасова русские пейзажисты изображали итальянские и швейцарские виды - родные места почитались серостью, недостойной воплощения. Влюбившись именно в эту прекрасную "серость", две чутких души - Саврасов в Москве, Васильев в Петербурге - живописали русскую природу, зная друг друга только по картинам.

Славу молодому художнику принесла картина "Оттепель". Общество Поощрения Художников удостоило ее первой премии, а сам живописец получил заказ от Царского двора на повторение этой картины.
"Оттепель" - по-настоящему "взрослая" картина, где юношеская светлая любовь к жизни впервые соединилась с глубоким и грустным раздумьем.
Просторы России, заснеженные без конца и края под хмурым облачным небом. Разъезженная дорога, сырые проталины, ржаво-коричневые пятна кустов. Две фигуры, двое идущих - мужик с котомкой и мальчонка. Куда же, куда бредут они одни по дороге этим неласковым днем?
В картине с дивной простотой написано все - сырой воздух, размокший снег, деревья, убогая изба, оголенные бревна, а особенно - дорога, уводящая в бесконечную даль.
Но в настоящем пейзаже за самой что ни на есть дальней далью бывает, говоря словами поэта, еще иная даль - даль мыслей и чувств, какие пробуждает картина.

Потрясенный смертью Фёдора Васильева Крамской сокрушенно каялся Репину: "Милый мальчик! Мы не вполне узнали, Что он носил в себе".

[mimi]

"Апофеоз войны". В. Верещагин. 1871. Государственная Третьяковская галерея.

Один генерал советовал императору Александру II приказать сжечь все военные картины художника В. Верещагина. Он, как и многие, считал, что подобные произведения имеют самое пагубное влияние.
Однако, благородная заслуга Василия Васильевича Верещагина перед человечеством как раз и заключается в том, что он развенчал красивую бравурность войны действительным показом её кровавой сущности.
"Одни распространяют идею мира своим увлекательным словом, другие выставляют в ее защиту разные аргументы - религиозные, политические, экономические, а я проповедую то же посредством красок", - говорил этот суровый, мужественный и бесстрашный человек. Ему, Георгиевскому кавалеру, участнику нескольких войн второй половины XIX века, претило "красивое" описание сражений с батальонами солдат в новеньких мундирах и с блестящими штыками наперевес, с гарцующими на породистых конях молодцеватыми генералами-победителями...
Полотно "Апофеоз войны" - это изображение смерти, уничтожения, разрушения. Детали ее: мертвые деревья, полуразрушенный безлюдный город, высохшая трава - все это части одного сюжета. Даже желтый колорит картины символизирует умирание, а ясное южное небо еще больше подчеркивает мертвенность всего окружающего. Даже такие детали, как шрамы от сабельных ударов и дыры от пуль на черепах "пирамиды", еще явственнее выражают идею произведения. Чтобы полнее выразить ее, художник пояснил это надписью на раме: "Посвящается всем великим завоевателям: прошедшим, настоящим и будущим".

[mimi]

Марк Ротко - знаменитый американский художник-абстракционист - родом из Даугавпилса (Латвия).

«Когда ты пишешь большую картину, ты находишься внутри своего переживания», - писал Ротко, гипнотизируя зрителей парящими прямоугольниками, отсутствием четких границ, подвижной живописью, трепещущими красками. Сам художник советовал рассматривать свои произведения с очень близкого расстояния, чтобы цветовые поля могли поглотить зрителя. Картины его живы, в них можно «войти» потревожив мелкую рябь переливчатых поверхностей, и выйти в зазеркалье, в иной мир, и оттуда, из мира красок, форм и свободы взглянуть на мир внешний, мысля в ином измерении, в соответствии с иными параметрами.

В 1970 году Ротко, в возрасте 67 лет, совершил самоубийство в своей мастерской. Он смог уйти в иное измерение, декорировав свой уход: его последняя картина была написана в красных тонах, он был найден на полу студии в луже крови.

[mimi]

"Соната звезд. Анданте". К. М. Чурлёнис. 1908.
Музей Чурлёниса, Каунас, Литва.

В картине М. Чурлениса "Соната звезд. Анданте", как и во многих других пороизведениях этого замечательного литовского композитора и художника, выражено стремление к синтезу музыки и живописи.

Мечта о единении искусств нашла в Чурленисе едва ли не лучшее по сей день воплощение. Во всей мировой живописи произведения этого мастера занимают особое место. Лучшие его произведения волнуют именно своей "музыкальной живописью".
Творческая жизнь Чурлёниса очень коротка. Первые картины он нарисовал в 1903 году, а последние – в 1909 году. Семь лет от школы рисования до картин, которые сейчас считаются шедеврами. 400 картин.

Очень интересна картина "Соната звезд. Анданте".
"На картине звезд практически нет. Они вот в одной узкой дорожке в верхней части картины. С левого края до правого края протянута маленькая коричневая дорожка - и на ней звезды. Звездный путь. По этой дорожке идет ангел. Если Вы верите в Бога, то поймете, почему идет именно ангел. И почему не простой ангел, а именно уставший ангел. Ангел, согласно религиозным правилам, - нематериальное существо. Ангел не может устать, не может износиться. Если ангел на середине звездной дороги устал… Для религиозного человека это то же, что для японца Фудзияма ниже волн. Для религиозного человека это символ безграничности – беспредельной протяженности и тяжести звездной дороги."
(Альтшуллер Г.С.)

[mimi]

"Портрет Доры Маар с кошкой". П. Пикассо. 1941.

Портрет возлюбленной великого художника Пабло Пикассо под названием "Дора Маар с кошкой" был продан в 2006 году на аукционе "Сотби" в Нью-Йорке за $95,2 млн.

Это вторая по величине сумма, когда-либо заплаченная на торгах за произведения искусства. Рекорд принадлежит еще одной картине Пикассо - "Мальчик с трубой".
На портрете изображена возлюбленная художника, а на заднем плане сидит небольшая кошка. Картина считается одной из наиболее удачных работ Пикассо. Так как полотно находилось в частной коллекции, возможности полюбоваться им не было в течение более чем 40 лет.

Пикассо написал свою многолетнюю музу и помощницу в 1941 году в оккупированном немцами Париже, когда их отношения уже дали основательную трещину. Позднее художник вспоминал, что в тот период Маар стала для него "персонификацией войны". На холсте бросаются в глаза ее острые, напоминающие коготки дикой кошки ногти.
С фотографом и художницей Дорой Маар Пикассо познакомился в 1935 году в одном из парижских кафе. Ей тогда было 28, ему - 53. Любовная история длилась 7 лет. Дора Маар была соавтором "Герники" - одного из самых известных полотен мастера. Пикассо написал множество ее портретов - графических и живописных, классических и кубистских, в шляпе, с зелеными ногтями и в образе химеры.

...Небольшого роста испанец - всего 158 сантиметров - обладал взрывным темпераментом, а главное, особым магнетизмом, которому женщины не могли сопротивляться. Любовь его, однако, была безжалостной и даже с садистским оттенком. Поэтому многие женщины Пикассо либо кончали с собой, либо сходили с ума. Для страстной Доры разрыв с Пикассо стал катастрофой. Не случайно она попала в парижскую психиатрическую лечебницу , где ее лечили электрошоками, а когда вышла оттуда, то абсолютно замкнулась в себе, став для многих символом женщины, жизнь которой разбита любовью к жестокому гению Пикассо.
Пережив на четверть века того, кто был безумной любовью ее жизни, Дора Маар скончалась в июле 1997 года в 90-летнем возрасте в одиночестве и в бедности.

Другие портреты Доры Маар, созданные П. Пикассо:

[mimi]

"Даная". Рембрандт Харменс ван Рейн. 1636-1647.
Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Над загадкой знаменитой картины Рембрандта "Даная" исследователи бились
более трех веков. И только современная рентгенограмма выявила сложную истину: оказалось,
одна и та же картина писалась дважды! С разрывом в десять лет для Данаи позировали две
разные женщины - "Светлая" и "Темная", жена художника Саския ван Эйленбюрх и кормилица сына
Гертье Диркс.
Брак Рембрандта с Саскией, дочерью знатного горожанина, был счастливым, но не долгим. Один
за другим, едва родившись, умерли трое их детей. Четвертый, чудом уцелевший Титус, стоил жизни
своей матери.
Художник нежно любил свою молодую жену, часто изображая её на своих картинах. Не стала
исключением и "Даная", написанная Рембрандтом не для продажи, а для своего дома.
После смерти супруги художник внес в картину изменения. В то время он состоял в интимных
отношениях с Гертье Диркс. Черты лица Данаи на картине были переписаны таким образом, что
совместили в себе обеих любимых женщин художника.
Кроме того, рентгеноскопия показала, что на первоначальном изображении присутствовал золотой
дождь, льющийся на Данаю, а взгляд её был направлен вверх, а не в сторону. У ангела в изголовье
кровати было смеющееся, а не печальное лицо, и правая рука женщины была повёрнута ладонью
вверх.

...Однажды жизнь самой знаменитой картины Рембрандта, казалось, оборвется. В 1985 году
душевнобольной посетитель Эрмитажа плеснул на нее серной кислотой и нанес ей два ножевых
пореза. Наиболее сильно пострадали самые важные части полотна, прежде всего фигура Данаи.
В результате сложнейшей реставрации, которая продлилась более двадцати лет,
картина была возвращена к жизни.

[mimi]

"Грачи прилетели". Алексей Саврасов. 1871.
Государственная Третьяковская галерея.

Со своей знаменитой картины "Грачи прилетели" художник Алексей Саврасов сделал бесчисленное множество копий. Это очень грустная история...
Впервые картина была показана в 1871 году на выставке передвижников. Позднее А. Саврасов многократно пробовал повторить свое пейзажное чудо, родившееся в трудный момент личной жизни - после смерти новорожденной дочери, во время болезни жены, - но безуспешно. Душевное проникновение в интимные тайны русского пейзажа требовало горячительного допинга. Болезнь глаз, депрессия, алкоголизм привели художника к разрыву с семьей и коллегами, увольнению из художественного училища, где среди его учеников были К. Коровин и И. Левитан.
В последние годы А. Саврасов ночевал где придется, пил круглосуточно и расписывал трактиры копией своего шедевра "Грачи прилетели" - за водку и обед. Знакомые из жалости давали ему несколько монет, иначе он пропил бы даже свою одежду. В конце концов на 67 году жизни художник умер от белой горячки в больнице для бедных.
И. Левитан писал: "Не стало одного из самых глубоких русских пейзажистов, с Саврасова появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей родной земле. Да, покойный Саврасов создал русский пейзаж, и эта его несомненная заслуга никогда не будет забыта в области русского художества".

[mimi]

Марк Шагал Лицо Израиля, 1960

Знаменитый художник Марк Шагал писал стихи.

Мы привыкли к тому, что когда большой художник пишет стихи, а большой артист рисует, то такого рода занятия именуются «второй музой». Если же стихи великого художника Шагала включаются в антологию идишистской поэзии, то кажется, что делается это лишь для того, чтобы напомнить читателю о знаменитых художественных образах Шагала.

* * *

Я сын Твой, ползать
рожденный на земле.
Ты дал мне краски в руки,
дал мне кисть,
а как Тебя изображать – не знаю.

Вот это небо? Землю? Свое сердце?
Руины городов? Горящих братьев?
Глаза слезами полнятся – не вижу,
куда бежать, к кому лететь.

Ведь кто-то есть, кто нам дарует
жизнь.
Ведь кто-то есть, кто нам назначил
смерть.
Ведь Он бы мог помочь мне, чтоб картина
моя светилась радостью...

* * *